Эволюция японской рок-музыки в аниме

Как известно, японское аниме пользуется популярностью в России уже более 20 лет. Российским зрителям полюбились как произведения признанных на мировом уровне режиссеров, например Хайяо Миядзаки с его работами «Мой сосед Тоторо» (1988), «Унесенные призраками» (2001) и др., так и простое аниме, которое повседневно смотрят сами японцы. Интересно то, что зачастую молодежь из России также с нетерпением ждет выходов новых серий, хотя большинство контента из Японии является пиратским, и вместе с японцами переживает за главных героев. Помимо этого, за последние 10 лет в России появилось новое музыкальное направление: российские ютуберы стали перепевать на русском языке песни, звучащие в аниме. Для японцев это явление выглядит загадочным: почему в такой далекой стране, как Россия, так серьезно воспринимают японскую музыку?

Возникновение аниме-сериалов и первоначальное становление жанра (1960-1970-е годы)

История японского аниме и музыки для него на телевидении началась в 60-х годах прошлого столетия. Самое первое – это Tetsuwan Atom («Могучий Атом», автор – Осаму Тэдзука, 1963-1966). Сюжет повествования разворачивается в XXI веке, где «дитя технологии» робот Атом с внешностью мальчика борется со злом. Для опенинга с названием «Марш могучего Атома» данного аниме слова написал знаменитый поэт Сюнтаро Таникава, а пел его детский хор. В 1960-х годах аниме ориентировалось на детскую аудиторию, где ей показывалось высокотехнологичное блестящее будущее с супергероями, давая возможность зрителям самим стать на их место. Музыка была написана в доступном для детей стиле, чтобы дети имели возможность подпевать или исполнять песню вместе. В поэтическом тексте рефреном звучали слова, характеризующие данное аниме: название аниме, имена персонажей, название коронных приемов или оружия героев в бое и другие ключевые слова. В опенингах последующих аниме, помимо детских хоров, звучали популярные в японской эстраде на то время вокальные трио или квартеты. В качестве примеров можно назвать аниме для мальчиков Cyborg 009 («Киборг 009», автор – Сётаро Исимори, 1966-1968), первое аниме для девочек Mahoutsukai Sally («Ведьма Салли», автор – Мицутэру Ёкояма, 1966-1968) и другие.

Соответственно, в 70-х годах стали появляться аниме, ориентированные на более взрослых зрителей, включая студентов старших курсов. Сюжеты были выстроены на основе популярных серий манги: космическая фантастика, приключения, детективы, рассказы о спорте, школьной жизни и о любви – особенно для девочек. Для детской аудитории также стали создаваться аниме по более многообразным направлениям: фэнтези, японские фольклорные сказки, рассказы из мировой художественной литературы и прочее. Общепринято считать, что по количеству выпущенной продукции в 70-х годах это первая волна в становлении аниме, ставшая потом классикой жанра.

В те годы основная манера композиции и исполнения опенингов и эндингов продолжала быть обусловлена 60-ми годами, но, чтобы более емко отразить сюжет, поэтический текст вышел за рамки простого перечисления «тезисов», став более содержательным. Музыку для аниме сочиняли тогда в основном заслуженные композиторы, входящие в ограниченный круг деятелей телеиндустрии, такие как Сюнсукэ Кикути, Асэй Кобаяси и др., благодаря чему ее звучание воспринималось как нечто правильное для детей. Тогда же в жанре аниме проявила себя четверка уже состоявшихся в музыкальном мире вокалистов, участвовавших в работе над ставшими впоследствии хитами аниме: мужской вокал был представлен Итиро Мидзуки (Maginger Z («Маджингер зет», 1972) и др.) и Исао Сасаки (Shinzouningen Casshern («Человек-киборг Кассян», 1973) и др.), а женский – вокалистками Мицуко Хориэ (Candy Candy, 1977, и др.) и Кумико Осуги (Doraemon, 1979, и др.).

Новую эпоху в становлении аниме открыло космическое фэнтези Uchusenkan Yamato («Космический линкор Ямато», режиссер – Рэйдзи Мацумото, 1974-1975). Сюжетная линия с дуализмом добра и зла, повествуя о том, как отправленный в космос за оборудованием для дезактивации земли космический корабль ведет войну с инопланетной цивилизацией, смогла заинтересовать уже более возрастную молодежную аудиторию. Телесериал показывали повторно, и в течение последующих четырех лет на его основе были сняты три полнометражных фильма, причем второй из них – Saraba Uchusenkan Yamato («Прощай, Ямато!») – занял второе место по кассовым сборам в 1978 году, собрав 2,1 млрд иен.

Режиссер «Космического линкора Ямато» был поклонником классической музыки, и в аниме впервые зазвучал симфонический оркестр, более красочно передавая образы и настроения сериала. Одноименный опенинг в жанре марша и лиричный эндинг Makkana scarf («Алый платок») исполнил И. Сасаки в сопровождении оркестра (композитор, дирижер – Хироси Миягава), а в фоновой музыке аниме, помимо оркестра, звучал еще вокализом голос сопрано. Впоследствии вышла пластинка с инструментальной версией композиций из этого аниме – «Симфоническая сюита «Ямато»», которая стала фактически первым сборником OST.

Если до «Ямато» аниме несколько пренебрежительно называли «мангой в телевизоре», то после сенсационного успеха сериала в киноиндустрии аниме получило признание, обеспечив дальнейшую возможность развития, в том числе и в плане музыки. Анимевед Н. Цугата предлагает определить три волны становления аниме по возрастному критерию зрителей: 1) в 1960-х (подростки); 2) с «Ямато» до второй половины 1980-х (включилась молодежь); 3) с «Евангелиона» (1996) до половины 2000-х (включились взрослые). Если учесть, что аниме – индустрия со своим рынком, то критерий по возрасту аудитории считается весьма существенным и помогает пониманию культуры аниме.

Появление рок-музыки в аниме (конец 1970-х – начало 1980-х)

Наступило время появления рок-музыки в аниме. В 1979 году на основе телесериала Gingatetsudou 999 («Галактический экспресс 999», автор – Рэйдзи Мацумото, 1978-1981) был создан фильм с одноименным названием. В оригинальном сериале опенинг исполнял И. Сасаки с детским хором, распевая романтичную лирику на фоне холодного космоса. А для снятого по сюжету сериала полнометражного фильма композицию написала и исполнила японская рок-группа Godiego («Годайго»), уже пользовавшаяся среди молодежи на тот момент большой популярностью. Она стала первой рок-группой, которая весь свой альбом исполнила только на английском языке на фоне ведущихся в 1970-х годах споров о том, на каком языке петь рок. Тема в аниме была затронута нелегкая – о смысле жизни, а сам поезд был просто частью сюжета, представая в образе фантастического транспорта.

Из интервью в телепередаче 2003 года мы узнаем историю создания этой песни: продюсер фильма Ёсио Таками обратился к рок-музыкантам с намерением представить молодежной аудитории новое звучание. Вокалист Юкихидэ Такэкава, узнав, что до этого в музыке для аниме не было элементов ни рока, ни поп-музыки, захотел поэкспериментировать и буквально за ночь сочинил композицию в подвижном темпе. Текст написала Ёко Нарахаси, в нем она ответила на ставшую в то время серьезной проблему стрессового состояния школьников при поступлении в вуз. В поэтическом тексте раскрывался образ движения галактического поезда в светлое будущее. Сам автор Р. Мацумото сначала сомневался в возможности стыковки темы аниме с предложенной музыкой, но успокоился, увидев во время предпоказа реакцию зрителей, которые на фоне бодрой рок-музыки «годайго» приветствовали бурными аплодисментами главного героя, уходящего в прощальной сцене вдаль по шпалам со слезами на глазах: «Зрители осознали, что для Тэцуро (имя героя. – К.Ю.) это значит не конец, а светлое будущее, и он продолжит жить. Музыкант-волшебник ведь может совершить такое. Волшебник иного мира».

Композиция для «999» написана в мажоре на 2/4 со скоростью около 140 ударов в минуту с типичным для рока ритмическим рисунком ударных, что для аниме того времени казалось очень подвижным темпом, живым и новым. Кроме того, в поэтическом тексте использовали два языка: в начале исполнение шло на японском, а в припеве переходили на английский. Такой новаторский подход не только впечатлил аудиторию аниме, но и получил ее искреннее одобрение за особый ритм звучания английского языка. Продажи пластинок с этой композицией показали высокие результаты. В рейтинге еженедельной телевизионной музыкальной передачи

The Best Ten (телеканал TBS) песня неоднократно занимала первое место, а по итогам всего 1979 года разместилась на восьмом месте, что сильно воодушевило поклонников аниме: они наконец-то смогли увидеть по телевизору лица своих любимых артистов, ранее находившихся в тени аниме. Помимо музыкальной стороны, и сам фильм стал коммерчески успешным: кассовые сборы в 1,6 млрд иен вывели его на первое место в 1979 году.

Параллельно создавалось и шло по телевидению еще одно аниме, полностью оригинальное, а не основанное на сюжете манги, которое также стало популярным у зрителей, – космическое фэнтези Kidousenshi Gundam («мобильный воин гандам», режиссер – Юки Томино, 1979-1980). Здесь, в отличие от аниме «Ямато», главные герои – это не профессиональные военные, а простые дети, случайно оказавшиеся на войне. В сюжете исчез дуализм добра и зла, а помимо роботов и технологий, тщательно изобразили внутренние переживания и человеческое становление маленьких и молодых героев. Особенно популярным «Гандам» оказался у старшеклассников, принимавших перипетии сюжета близко к сердцу. Следует отметить, что среди того поколения до сих пор модно цитировать слова из этого аниме.

В сериале «Гандам», как и в телесериале «999», стиль сочинения и исполнения песен, ориентированный на младшую аудиторию, оставался на уровне 1970-х годов. И лишь в вышедших в начале 1980-х на основе этих сериалов фильмах изменилось направление музыки. Анимевед Рюсукэ Хикава на официальном сайте аниме пишет, что на телеканале нужно привлечь детей так, чтобы потом им купили игровую продукцию с героями фильма, и для них нужно подготовить песню попроще на опенинг, как раз в стиле 1970-х, а на фильм придет поколение постарше, которому нужна уже другая музыка.

В фильмах режиссер обратился к популярному в то время эстрадному композитору Дайсукэ Иноуэ, являвшемуся его другом по Институту искусств. Иноуэ не только сочинил песни, но и сам исполнил их во второй и третьей частях трилогии. Песня из второго фильма Ai senshi («Грустный солдат») была написана уже в стиле рока с сольными проигрышами электрогитары. В последней строке поэтического текста были использованы английские слова, что, впрочем, на тот момент уже стало повсеместным явлением в эстрадном исполнительстве. А песня к заключительной части трилогии Meguriai («Встречи») звучала весьма лирично, хоть и в подвижном темпе. Почти весь припев исполнялся по-английски, а в бэк-вокале был использован акустический эффект реверберации. Д. Иноуэ спел ее настолько распевно, что она полностью раскрыла и передала душевные чувства героев аниме так, как это раньше еще не удавалось сделать. Третий фильм по «Гандам» 1982 года с прибылью в 2,1 млрд иен занял 4-е место среди всех фильмов по результатам года. Нужно заметить, что в японской культуре употребление иностранных слов или языка в тексте весьма обычное явление, и исторически в японском языке много заимствованных слов. А с конца 1970-х годов в песнях стали часто использовать английский язык ради эффектного звучания, смешивая два языка. Об использовании разных языков в песнях журналист Х. Угая в своей книге по J-pop замечает, что японским слушателям-покупателям важна не точность перевода на английский, а «видимость интернациональности».

После успеха трилогии «Гандам» значение и художественная функция песни в аниме усилились в качестве средства, способного формировать нужное восприятия мира. Это посодействовало задумке и реализации еще одного космического фэнтези Chouzikuyousai Macross («Гиперпространственная крепость Макросс», 1982-1983), где исполнители и сами музыкальные композиции были помещены в сюжетной линии на первый план. Отметим, что на основе сюжетных концепций «гигантов» аниме «Ямато» и «Гандам», а также их последователя «Макросс» режиссеры с немалым успехом до сих пор продолжают снимать новую продукцию, меняя обстановку повествования и персонажей.

Появление поп-музыки и хард-рока/хеви-метал в аниме (1980-е)

Если успехи рок-группы «Годайго» и композитора-исполнителя Д. Иноуэ были основаны на личном знакомстве режиссера с музыкантами, то в 1980-х годах уже возник коммерческий интерес музыкальных агентств. Последние начали сотрудничать со студиями аниме, особенно после 1984 года, когда по примеру аниме Uruseiyatsura стали в течение производства сериала периодически менять песни. В опенингах и эндингах зазвучала японская эстрадная музыка. В то время в Японии национальную эстрадную музыку, включая поп-музыку, называли «каёкёку» (о названиях поджанров см. работу социолога К. Мияири), а европейско-американскую поп-музыку – словами popular music, с большим уважением. Данная ситуация не менялась вплоть до 1990-х годов (об этом см. ниже). Поп-музыка 80-х быстро вобрала элементы рок-музыки, вызвав неприятие у поклонников традиционного рока – им казалось, что рок, «отдавшись меркантильности» в синтезе с поп-музыкой, умрет как жанр. Теперь в музыкальных передачах на телевидении чаще стали выступать певцы, и даже звезды взялись за пение для аниме, но не все эстрадники внимательно изучали сюжет, и зачастую текст не соответствовал содержанию аниме: в то время главным была атмосфера, созданная новым для аниме звучанием музыки.

Самый известный здесь – телесериал-детектив Cat’s Eye (1983-1985, автор – Цукаса Ходзё, манга опубликована в журнале для мальчиков Shonen Jump). Опенинг из Cat’s Eye (песня с одноименным названием, 1983) является самым первым опытом коммерческого сотрудничества создателей аниме и эстрады. Вокальную партию в нем исполнила эстрадная певица Anri. По жанру песня относится к царившему в 1980-е годы так называемому синти-поп. Аниме не только очаровывало аудиторию красивыми образами девушек, но и музыкой. Хотя сам текст напрямую не был связан с сюжетом, но только вошедшие в моду электронные звуки ударных звучали по-новому, по-городскому, как и сама обстановка аниме, показывавшая столичную жизнь в Токио. Песня обновила рекорд «999» по продажам.

Что касается исполняемой рок-группами музыки, то на середину 1980-х ее было еще не так много. Можно в качестве примера привести первый опенинг Ai wo torimodose («Вернуть любовь!», 1984), спетый тогда уже известной рок-группой Crystal King, сериал-фэнтези про боевое искусство Hokuto no ken («Кулак Полярной звезды», 1984-1988, авторы – Буронсон, Тэцуо Хара; манга опубликована в журнале для мальчиков Shonen Jump). Зрителями были школьники, и их пленило мощное звучание голосов двух вокалистов – яркого тенора и сочного баритона. А хард-рок и металл, которые тогда только появились в стране, использовались в аниме совсем мало. Здесь можно назвать только фэнтези про боевое искусство Saint Seiya («Святой Сэйя», 1986-1989), в котором опенинг Pegasus Fantasy и эндинг Eien Blue («Вечный синий цвет») записала рок-группа Make-Up. Эти две композиции стали первым опытом применения хард-рока в аниме. Вокалист NoB в 2012 году рассказывал, что в то время в его окружении аниме считалось продукцией для детей, а если его смотрели взрослые, то это казалось странным. Поэтому, когда в агентство поступил заказ на исполнение композиции для аниме, было непонятно, как его исполнить. Тогда рок-группа записала композицию в привычном для себя стиле. Стоит отметить, что и в «Кулаке Полярной звезды», и в «Святом Сэйя», завоевавших большую популярность среди школьников, текст песен, в отличие от других модных тогда аниме, совпал с содержанием оригинала манги и был сочинен без английских слов. Таким образом, их поклонникам показалось, что музыка для аниме получила новую форму хард-рока или металла. Чтобы это перестало быть исключением, должно было пройти еще 10 лет.

Если речь идет о 1980-х, то нельзя не отметить шлягер Get Wild (1987) – первый эндинг аниме City Hunter (1987-1990, автор – цукаса ходзё; манга опубликована в журнале для мальчиков Shonen Jump), сочиненный в стиле евробит и записанный рок-группой TM Network. Ритм евробита, звучание электронных инструментов и сам их футуристический вид стали совершенно новым явлением и привлекли множество подростков, особенно девушек. В эндинге вступительный проигрыш на синтезаторе начинался в конце второго блока серии на фоне продолжающегося диалога персонажей, а начало вокальной партии совпадало с первым кадром обычного эндинга, что делало концовку серии более драматичной. В самой песне нашло отражение содержание аниме – жизнь в центральном районе Токио Синдзюку, в музыкальном плане выраженное простым, но запоминающимся мотивом припева с английскими словами Get wild and tough!

Нужно заметить, что во время поисков и проб композиторов и исполнителей для аниме заказы размещали даже заграницей. Так, для аниме Kidousenshi Z Gundam («Мобильный воин Z гандам», 1985, 2-й телесериал «гандам») музыку написал американский эстрадный композитор Нил Седака (Neil Sedaka). В тексте второго опенинга Mizu no hoshi e ai wo komete («С любовью к голубой планете»), который исполнила 17-летняя певица Хироко Моригути, не употреблено ни одного английского слова, зато японские кандзи (смысловые иероглифы) были подобраны необычно и поэтично, что дало возможность осознать важность слов песни. За лиричную мелодичность и тесно связанный с мировоззрением текст эту композицию поклонники аниме любят до сих пор.

Таким образом, 1980-е годы для музыки аниме стали временем обогащения. Пока в основном поп-музыкой. Песни стали исполнять звезды эстрады, популярные рок-группы, а музыку даже написал американский композитор – для международного музыкального рынка индустрия аниме стала местом, куда можно поставлять свою продукцию.

Эпоха рок-музыки (с 1990-х по настоящее время)

В 1990-х японская эстрада ответила на вызовы времени с помощью компьютера и цифровых технологий. В ней стали доминировать стили европейско-американской популярной музыки. Чтобы отличать отечественную продукцию от зарубежной, общее название японской поп-музыки «каёкёку» изменили на J-pop, история появления которого описана в ряде работ.

Социолог К. Минамида справедливо характеризует термин: «Нынешнюю модную музыку затруднительно назвать рок-музыкой, но это уже и не «каёкёку», и не new music . Термин J-pop, написанный латиницей, содержит европейско-американский колорит, вместе с тем в нем нет нюанса «недосягаемые Европа и США: буква J является лишь знаком без оценки, означающим страну, существующую в мире». Как видно из объяснения, когда речь идет о 1990-х годах, нельзя не касаться закомплексованности японских рок-музыкантов перед Европой и США. По описанию Минамиды, ввиду того, что они верили, что «настоящий» рок существует только там и им нужно до него дорасти, любая своя интерпретация и ее итоги в музыкальном обществе Японии были объектом отрицания, по типу: «Роком является не… [название своего жанра в синтезе с европейской рок-музыкой]». Чтобы свой рок был тождествен представляемому им настоящему року, нужно признание некоего высокого авторитета: «Японскому року удастся отличиться только тогда, когда его признают наравне с английско-американским роком (подчеркнуто в оригинале). <…> Такая тенденция длилась с послевоенных лет до недалекого прошлого». Если в середине 1980-х годов настало время, когда свое творчество можно свободно было назвать роком из-за того, что поп-музыка его «проглотила» на рынке, то, думается, 1990-е годы были временем если не признания, то успокоения от закомплексованности и начала уверенного собственного творческого поиска. Вообще, надо заметить, что идентичность является большой отдельной темой.

В то же время появилась японская рок-музыка J-rock. В широком смысле слова она в Японии фактически включена в J-pop, а в жанре рок-музыки означает направление, сформировавшееся в конце 1980-х годов. В это направление входят метал, панк-рок и так называемый Visual kei. Как раз последнее и начало оказывать влияние на музыку для аниме. В то же время начал развиваться и рэп.

В 1990-х годах с развитием J-pop сотрудничество с создателями аниме продолжилось. Особенную активность проявило музыкальное агентство Being (нын. GIZA studio). Его суперхитом (продано более 1,6 миллиона копий за год) стал эндинг Odoru pomkokorin (слова: Момоко Сакура – автор манги, музыка: Тэцуро Ода, артист: B. B. Queens) из мелодраматического телесериала Chibimaruko-chan (1990-1992, 1995 – настоящее время).

Нужно заметить, что даже для аниме семейного «правильного» типа уже стали писать такую легкую поп-музыку. В области полнометражных фильмов за 1991 год 5 из топ-10 лент по кассовым сборам заняли аниме, что позволило и дальше существенно расширить рынок. Кроме того, наступил бум караоке, и песни для аниме отвечали запросам времени. В 1995 году, когда выпустили аниме Shinseiki Evangelion («Неогенезис Евангелион», режиссер – Хироаки Анно), пришла третья волна моды на аниме. Надо сказать, что «Евангелион» в Японии в мире аниме принято считать постмодернистским, но это не значит, что постмодернизм в аниме всецело наступил с выходом данного произведения. Продолжали снимать и прежние модернистские аниме, такие как знаменитые до сих пор Pokemon (режиссер – Кунихико Юяма), Detective Conan (автор – Госё Аояма; манга публикуется с 1994-го в журнале для мальчиков Shonen Sunday).

Существенно разнообразились способы показа: помимо дневных телесериалов и фильмов, появились ночные телесериалы, радиосериалы, OVA, интернет и т. д. Это привело к расширению аудитории зрителей в сторону более старшего поколения, что анимевед Н. Цугата и определил третьей волной. В области музыки петь стали и сами актеры озвучки, часто в качестве персонажей аниме. Теперь уже окончательно вышли на рынок аниме такие музыкальные агентства, как Аvex, Sony Music, GIZA Studio и др., начав спонсировать производство аниме.

Для песен 1990-х годов характерны яркие и доступные музыкальные фразы и слова в припевах. Вообще поэтический текст чаще стал соответствовать сюжету и персонажам. Исчезла манера, которая наблюдалась в 1970-80-х годах, то есть повторы имени героя и т. д. Для аниме чаще начали писать и играть музыканты и рок-группы без профессионального музыкального образования. В итоге музыка, которая до этого характеризовалась доступностью и легкостью восприятия, стала разнообразной, как и вся эстрада, музыкально воплощая сюжетные миры более ярко, драматично и эффектно. Сами музыканты по-разному относились к атмосфере музыки в аниме: были те, кто ее игнорировал; были и те, кто гордился тем, что, наоборот, подбирают подходящие слова и средства музыкальной выразительности. В тексте стало сложнее определить, о чем или о ком идет речь. У рок-групп стала часто наблюдаться игра слов и употребление трудных кандзи: чтобы понять содержание песни, нужно было знать сюжет аниме и видеть текст перед глазами.

В настоящее время в музыке для аниме наблюдаются все музыкальные стили. Среди популярных рок-групп и артистов, работающих для аниме, согласно статистике, можно назвать следующие: ALIPROJECT, Aqua Timez, BUMP OF CHICKEN, FictionJunction, flow, GARNiDELiA, GRANRODEO, kana boon, L'Arc~en~Ciel, Ling Tosite Sigure, LiSA, Oldcodex, Porno Graffitti, Gackt, T.M.Revolution, UNISON SQUARE GARDEN, Uverworld, YUI и др.

В качестве примера спонсорства музыкального агентства назовем Avex в многолетних сериях аниме Initial D (ТВ 1998-1999, 2004-2006, 2012-2014; автор – Сюити Сигэно; манга опубликована в журнале для мальчиков Young Magazin). Почти все опенинги и эндинги пела рок-группа m.o.v.e. с женским вокалом и мужским рэп-речитативом, а фоновая музыка была написана в стиле супер-евробит. Вспомним, что в аниме евробит очаровал аудиторию в City Hunter еще в 1980-х (см. выше), а спустя 10 лет зрителей снова зацепило. Только сюжет показывал не столичную жизнь, а наоборот: Initial D про провинциальных парней, их страсть к машинам и неудачную любовь к девушкам; места действия – исключительно провинциальные городки. Это показывает, что пространство аниме стало шире, выйдя из каких-то ярких мест, придуманных специально для героев. В опенингах и эндингах отражен сюжет, но не так прямо, и, для того чтобы понять текст, нужно почитать его целиком и обдумать. Текст написан на японском, употребляется эпизодически и английский язык, как принято в Японии.

В это же время русскоязычные песни тоже начали звучать в японском аниме. Общепризнанный во всем мире композитор по аниме Ёко Канно, широко использующая элементы самых разных стилей, включая и рок-музыку, начала свой творческий путь в то время. Сотрудничество с русской вокалисткой Ольгой позволило ей написать три русско- и англоязычных опенинга Inner Universe, Rise и Solid State Society в стиле рока для аниме Ghost in the Shell (2002-2003, 2004-2005, 2006; автор – Масамунэ Сиро). Наследие стиля 1970-80-х годов также сохраняется. Например, в приключенческом фэнтези-телесериале JoJo no kimyouna bouken (Jojo’s Bizarre Adventure; «Невероятные приключения Джо-Джо»; 2012-2013, 2014, 2015, 2016-2018; автор – хирохико Араки; манга публикуется с 1987 г. в журнале для мальчиков Shonen Jump) режиссеры специально выбирают стиль 1970-80-х для опенингов и эндингов. В интервью продюсер сериала Хироюки Омори рассказывает следующий эпизод: сначала для 1-го эндинга был выбран прогрессивный рок английской рок-группы Yes, а потом, когда на студии начали думать об опенинге, в полной мере соответствующем такому «настоящему» року, то решили взять стиль предыдущих анисонов. В 1-м опенинге Sono chi no sadame («Судьба той крови») припев грандиозно заканчивается названием серии и именем героя Джо-Джо. Далее во всех сериях в тексте песен даются название аниме, имена героев, перечисляются персонажи, а текст точно отражает сюжет.

По теме рока того времени необходимо указать на появление японского металла, основанного на музыке для аниме. В 2000 году певец Итиро мидзуки (см. выше о 1970-х гг.) создал рок-группу JAM Project, играющую хеви-метал и хард-рок (Хиронобу Кагэяма, Рика Мацумото, Эйдзо Сакамото, Масааки Эндо), чтобы сохранить в XXI веке дух песен про супергероев 1970-80-х гг. Сам И. Мидзуки в интервью говорит, что в анисонах поется о таких вечных темах, как любовь, дружба, отвага, и в японском языке к ним относятся особо внимательно и бережно, а душевные качества супергероев хорошо передаются публике.

Нынешний лидер-вокалист Х. Кагэяма убедительно рассказывает о музыке для аниме:

1. «Неважно, правильно ли называть это «металлом» или нет, а важно сделать мощную, «хардовую» музыку с высоким голосом в быстром темпе. Поскольку в аниме техника создания анимации постепенно развивается и движения главных героев, особенно роботов, становятся все более разрушительно-мощными, музыке здесь нельзя уступать по силе»;

2. «Для анисона важны энергетика и сила голоса вокалиста. Нам приходится петь о чем-то невероятном в соответствии с сюжетом аниме, а возможность дать слушателям почувствовать подлинное восхищение зависит как раз от вокалиста»;

3. «Разница между хеви-метал и металлом анисона – это мелодичность. Для аниме нужна ясная мелодия».

Как видно из цитат, участники группы ставят на первое место аниме, а не самих себя. Критик С. Ямано пишет, что японский металл спас песни аниме от всяких песен музыкальных агентств, делающих ставку на индивидуальность артиста, а не на само аниме, поэтому металлисты могут гордиться тем, что они сохранили традицию.

Критик Р. Сумикава в музыкальном журнале по теме рок- и поп-музыки 1990-х годов, причисляя музыку для аниме к одной из ключевых концепций тех лет, справедливо представляет это десятилетие временем формирования и распространения среди более широкого пласта зрителей жанра анисона, инновационность которого привела к комплексному развитию музыки для аниме вплоть до настоящего времени. И сейчас действительно и в Японии, и за границей жанр продолжает развиваться, наследуя практику и идеи третьей волны аниме 1990-х годов.

Интерпретация в России

Что касается России, то перепевки опенингов и эндингов, переведенные на русский язык, начали появляться на YouTube в 2010-х годах: в 2012 году – группа вокалистов Radiant Records (Екатеринбург), женский вокал Ника Ленина (Украина, Днепр); в 2013 году – женский вокал Maria Bibika (Калининград); в 2014 году – мужской вокал Jackie-O (Санкт-Петербург), женский вокал Melody Note (Новосибирск); в 2015 году – вокалистки Sati Akura (Москва), Cleo-chan (Томск), m19 (Москва); в 2016 году – женский вокал Elli (Каспийск), в 2018 году – группа вокалисток Onsa Media (Санкт-Петербург) и другие. У перечисленных ютуберов постановка голоса исключительно эстрадная, некоторые получили музыкальное образование. Репертуар в основном однообразный – опенинги и эндинги популярнейших аниме, музыка из компьютерных игр, вокалоиды (vocaloid), то есть то, что в настоящее время популярно в России. У всех своя команда: переводчики, видеооператоры, аранжировщики, художники и т. д. У некоторых исполнителей музыкальная сторона получается более удачной, часто и сам русскоязычный текст звучит музыкальнее, чем оригинал. Особенно когда появляется рифма, которая в японских стихах изначально не требуется, получается своеобразное украшение, но большинство переводов сделано не с японского оригинала, а с английского перевода, поэтому, к сожалению, часто встречается искажение смысла.

Самое заметное и обидное искажение – это когда путают пол. В японском языке пол определяется по постфиксу к глаголу, а после перевода на английский глагол уже не несет различия. Кроме того, в японском языке в предложении можно не указывать подлежащее и в стихах оно часто отсутствует для художественной цели, тогда как в английском языке это невозможно, что заставляет англоязычных переводчиков самим его выбирать, зачастую с искажением смысла. Также игра слов не всегда передается в английском переводе, тем более что иногда в оригинале слова подобраны так, что даже самим японцам нелегко разобраться. И еще одна особенность оригинальных текстов – это использование в них английского языка. Это уже отдельная лингвистическая тема, но вкратце ее коснуться необходимо. По выражению английского критика, специалиста по японскому року И. Мартин, это «как запятая и точка», английский функционирует дополнением японского языка: слова или предложения существуют отдельно от базового японского текста, чаще и вне контекста. А в английском переводе получается все вместе и возникает ложное ощущение целого. К тому же, как сказано выше, в двуязычии есть свои особенности в зависимости от времени сочинения. И все эти смысловые нюансы встречаются именно в текстах песен под рок-музыку. Хотелось бы подождать появления носителей русского языка, владеющих японским литературным языком, хотя, конечно, это крайне трудно.

В России для русскоязычной аудитории японского аниме количество каверов и ютуберов увеличивается с каждым годом. Бывает, что русскоязычные перепевки по музыке удачнее и убедительнее, чем сам оригинал, и в комментариях к ним встречаются даже отзывы самих японцев. Хотя аниме имеет под собой японское начало, оно в России уже стало частью культуры – самобытной, молодежной, наблюдение за которой для японских русистов представляет большой интерес.